How do we transform the landscape around us into intimate audio stories? This workshop introduces the Small Audio Art methodology, using objects and sensory attention as gateways into personal narrative. We’ll begin with a guided walk, exploring ways of recording beyond the sound-recorder—dropping into our senses, noticing details, and discovering how these moments can translate into compelling stories. Through creative writing exercises and shared discussion, participants will learn to use everyday objects as springboards for memory and identity exploration, developing unexpected techniques for narration in creative radio pieces.

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Wie können wir unsere Umgebung in intime Audio-Geschichten verwandeln? Dieser Workshop führt in die Small Audio Art-Methode ein und zeigt, wie Objekte und Sinneswahrnehmungen Türen zu persönlichen Erzählungen öffnen können.
Wir beginnen mit einem geführten Spaziergang, bei dem wir Wege des Aufnehmens jenseits des klassischen Aufnahmegeräts erkunden – indem wir unsere Sinne schärfen, Details wahrnehmen und entdecken, wie diese Momente in packende Geschichten übersetzt werden können.
Durch kreative Schreibübungen und gemeinsame Diskussionen lernen die Teilnehmenden, alltägliche Objekte als Ausgangspunkt für Erinnerungen und Identitätserkundungen zu nutzen und dabei überraschende Erzähltechniken für kreative Radiobeiträge zu entwickeln.

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Phoebe McIndoe is an award-winning radio journalist and sound artist and the founder of Small Audio Art, a playground for creative makers to connect, create and share feedback. Her recent series County Lines (BBC 4) was Amnesty & BJA nominated and won silver at the ARIAs. She has worked as a producer with BBC’s Woman’s Hour, The Guardian’s Today In Focus, The World Service and charities like NSPCC – to tell survivor-led documentaries, such as Endemic Truth.

Das interdisziplinäre Forschungsfeld der Acoustic Ecology beschäftigt sich mit der Beziehung zwischen Menschen und ihrer klanglichen Umwelt. Es untersucht, wie natürliche, technische und soziale Klänge unsere Wahrnehmung, unser Verhalten und unser Wohlbefinden prägen. Ziel der akustischen Ökologie ist es, Klanglandschaften zu bewahren und bewusst zu gestalten – und so zu einer nachhaltigen akustischen Umwelt beizutragen.

In der Schweiz ist die Swiss Society for Acoustic Ecology (SSAE) eine zentrale Akteurin in diesem Bereich. Am SONOHR geben zwei Vorstandsmitglieder der SSAE – die Klangkünstlerin und Klangforscherin Manu Meier sowie der Kulturvermittler Nik Fischer – einen vertieften Einblick in die Praxis der Acoustic Ecology. Das Gespräch moderiert Sarah Heinzmann, Journalistin und KatalysatOHR-Gewinnerin 2024.

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Manu Meier lebt und arbeitet in Basel. Ihre künstlerische Praxis fokussiert auf die akustische Beschaffenheit unserer Umwelt. Als Mitbegründerin der Schweizerischen Gesellschaft für Akustische Ökologie (SSAE) engagiert sie sich für eine bewusste Hörkultur im Spannungsfeld von Digitalisierung, Gesellschaft, Technologie und Biodiversität. Ihre Arbeiten wurden unter anderem an der Ars Electronica in Linz (A), im Kunsthaus Pasquart in Biel (CH) und im HeK Basel (CH) gezeigt.

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Der Kulturvermittler Nik Fischer hat Soziokulturelle Animation an der HSLU studiert, lebt und arbeitet heute in Biel und ist an den Schnittstellen von Gesellschaft, Kunst und Kollaboration zuhause. Er hat zahlreiche Kulturprojekte initiiert, leitet heute das aaoc-Kulturbureau in Biel und tüftelt zurzeit an verschiedenen Projekten. Das aufmerksame Zu-Hören ist für ihn eine Art die Welt zu verstehen.

On entend souvent dire que les personnes aveugles développent une perception sonore plus fine – mais comment cela se manifeste-t-il concrètement ?
Avec ce podcast, Valerio Scamuffa explore le rôle de notre oreille dans la compréhension du monde et montre comment les sons qui nous entourent influencent nos émotions. Quels sont ceux qui nous touchent, nous attirent ou nous accompagnent au quotidien ?

À travers quatre témoignages fascinants, l’auteur invite les auditeur·ice·s à redécouvrir le plaisir de se connecter avec ce merveilleux sens qu’est l’audition et rappelle l’importance de l’écoute dans notre perception du réel.

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Oft hört man, dass blinde Menschen eine besonders feine auditive Wahrnehmung entwickeln – doch wie äussert sich das konkret?
Mit diesem Podcast möchte Valerio Scamuffa die Rolle unseres Gehörs für das Verständnis der Welt erforschen und zeigen, wie die Geräusche um uns herum unsere Gefühle beeinflussen. Welche Klänge berühren uns, ziehen uns an oder begleiten uns im Alltag?
Anhand von vier Erfahrungsberichten erleben die Zuhörenden, wie zentral das Hören für unsere Wahrnehmung der Realität ist.

Im Befragungsraum des Staatssekretariats für Migration, wo sich die Tore zur Erinnerung weit öffnen und das Schweigen schwerer wiegt als jedes Wort, sitzt die Protagonistin Azal. Sie trägt ihr Schweigen wie ein Schild und ihren Schmerz wie einen Schatten. Nach vielen Jahren entscheidet sie sich schliesslich, ihre Geschichte zu erzählen. Das Hörstück basiert auf einer wahren Lebensgeschichte und beleuchtet die Herausforderungen, mit denen Frauen im Asylprozess konfrontiert sind.

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Azal, le personnage principal, est assise dans la salle d’interrogatoire du Secrétariat d’État à l’immigration, où les portes du souvenir s’ouvrent, béantes, et le silence pèse plus lourd que chaque mot. Elle porte son mutisme tel un bouclier et sa douleur telle une ombre. Après de longues années, elle se décide enfin à raconter son histoire. Cette pièce sonore part d’une histoire vraie pour éclairer les difficultés auxquelles sont confrontées les femmes en procédure d’asile.

Pêche aux sons n. f. – action ou manière de capturer les sons datant de l’ère poissonnière ; technique exigeant une grande dextérité, afin de ne pas endommager la récolte. – « Le plus compliqué pendant le rude hiver pour ces gens du littoral, c’était la Pêche aux Sons qui écaillait les oreilles avec pugnacité » (Barles Chaudelaire).

Deux pêcheur·euse·s spécialistes de cette technique particulière sont sur le point d’embarquer dans leur chalutier. La météo est ce qu’elle est et nos deux protagonistes suggèrent aux badauds qui flânent sur les berges d’embarquer avec elleux. Folie !!!
Mêlant texte et univers sonore, cette performance est une immersion dans la richesse stupéfiante de la biodiversité́ acoustique qui nous entoure. Qu’il s’agisse de sons naturels – audibles pour nos oreilles – ou de sons cachés – produits par des ondes, Émilie Bender et Gérald Wang souhaitent engager vos oreilles à vivre une expérience originale et sensible à travers l’espace public.

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Angeln nach Geräuschen – Tätigkeit oder Art und Weise, Geräusche aus der Fischereiwelt einzufangen; Technik, die grosse Geschicklichkeit erfordert, um den Fang nicht zu beschädigen. «Das Schwierigste für die Küstenbewohner war das Angeln nach Geräuschen während des harten Winters, das den Ohren mit Hartnäckigkeit zusetzte.» (Barles Chaudelaire).

Zwei Fischer*innen, spezialisiert auf eine besondere Fangtechnik, steigen in ihren Trawler. Das Wetter ist, wie es ist, und sie laden die Schaulustigen am Ufer ein, mit ihnen abzulegen.
Diese Performance lässt die Zuschauer*innen in den erstaunlichen Reichtum der akustischen Biodiversität eintauchen. Ob natürliche Geräusche oder verborgene Klänge, die von den Wellen erzeugt werden – Émilie Bender und Gérald Wang öffnen die Ohren für eine besondere Erfahrung im öffentlichen Raum.

In einer Stadt, in der Realität und Tagtraum sich überlagern, rast die Träumerin an roten Ampeln und Erinnerungen vorbei. Emotionen und alte Ängste manifestieren sich zu hör- und bekämpfbaren Gestalten, während Geräusche, Dialogfetzen und innere Stimmen ineinandergreifen. Wie eine Kriegerin reitet die Protagonistin auf ihrem Drahtesel in die Schlacht, um Polizisten und innere Dämonen zu bekämpfen. Das ist keine Liebesgeschichte, das ist nur Utopie beschäftigt sich mit Macht und Ohnmacht und hilfloser Wut.

Leah Luna Winzely studiert Szenisches Schreiben an der Universität der Künste Berlin, davor Literatur, Gender Studies und Filmregie in Berlin. In ihrer Arbeit beschäftigt sie sich vorrangig mit der Visualität der Sprache und bewegt sich zwischen Lyrik, Prosa und szenischem Text.

Paulette Breuhahn studiert Medienkunst/Gestaltung an der Bauhaus-Universität Weimar. Fasziniert von der Möglichkeit, mit Klang Geschichten zu erzählen, erkundet sie akustische Räume und die Bandbreite auditiver Projekte, die vom Experiment bis zur klaren Narration reichen.

Laika is set in 1957, when devoted Soviet scientist Tatyana communicates via the radio to Laika, the dog who has just been propelled into orbit around the Earth in a rocket. As Tatyana tries to calm the dog, she fears that if Laika dies, her days with her husband Yevgeny will also be numbered. Furthermore, Laika’s fate sparks a sense of resistance against Khrushchev’s regime. But how has Laika come to mean so much to her?

NOX is an audio collective led by writer-composer Luuk Imhann and composer-producer Sietse Damen. Together, they create historical audio dramas, cinema for your ears, transporting listeners to pivotal moments in history, such as the dropping of the atomic bomb on Japan in 1945 and the launch of a rocket carrying a dog in the Soviet Union. At these crossroads of history, hope can be found in the smallest gestures, as even the most careful sighs will display a heartwarming humanity.

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Laika spielt im Jahr 1957 – gerade ist die Hündin Laika in einer Rakete in die Erdumlaufbahn geschossen worden. Die sowjetische Wissenschaftlerin Tatjana spricht über Funk mit Laika, um sie zu beruhigen. Währenddessen befürchtet sie insgeheim, dass ihre Tage mit ihrem Ehemann Jewgeni gezählt sind, sollte Laika sterben. Allmählich entfacht Laikas Schicksal die ersten Funken von Widerstand gegen das Regime Chruschtschows. 

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Laika se déroule en 1957, année où la chienne Laïka a été propulsée dans l’orbite terrestre à bord d’une navette spatiale. La scientifique soviétique Tatjana parle avec elle par contact radio, pour la rassurer. En même temps, elle craint en secret que ses jours avec son mari Jewgeni ne soient comptés, si la chienne venait à mourir. Peu à peu, le destin de Laïka attise les premières braises de la résistance contre le régime de Khrouchtchev.

80 ans après la Seconde Guerre mondiale, que reste-t-il ? Candice Savoyat part sur les traces de sa famille. À Chemnitz, en Allemagne, où est née sa grand-mère maternelle, d’un père juif polonais, avant qu’ils ne fuient en France. À Mauthausen, en Autriche, où son arrière-grand-père paternel, résistant, a été déporté. Elle relie ainsi ses deux histoires familiales et les fait résonner avec le présent en recueillant les paroles d’inconnu·e·s rencontré·e·s en chemin. Un voyage intime et universel à écouter au casque, présenté pour la première fois dans une salle de cinéma lors du festival SONOHR.

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80 Jahre nach dem Zweiten Weltkrieg geht Candice Savoyat den Spuren ihrer Familie nach – von Chemnitz, dem Geburtsort ihrer Grossmutter mütterlicherseits, über Mauthausen, wohin ihr Urgrossvater väterlicherseits deportiert worden war. Candice Savoyat verknüpft diese beiden Familiengeschichten und lässt sie im Gespräch mit Menschen, die sie unterwegs trifft, mit der Gegenwart resonieren. Dabei entstehen intime Einblicke in persönliche Erinnerungen, die zugleich universelle Fragen nach Erinnerung, Identität und Geschichte aufwerfen. Eine Hörreise, die nah an den Menschen und bewegend zugleich ist.

Wo zeigt sich das Lebensende in der Stadt? Welche Spuren des Lebens tragen wir in uns? Wie kann man dem eigenen Lebensende begegnen? Der ortsspezifische Audiowalk führt durch die Stadt Bern – von der Grossen Schanze zur Bundesterrasse – und verbindet dabei Interview-Collagen, Handlungsanweisungen, Sound und Beobachtungen. Spielerisch und sinnlich regt der Walk dazu an, über Leben und Tod nachzudenken – und die unauflösbare Verbindung von Anfang und Ende zu erleben.

Arianna de Angelis absolvierte eine Ausbildung in Bildender Kunst und Trickfilm und schloss 2021 ihr Studium der Animation an der Hochschule Luzern ab. Sie arbeitet interdisziplinär als Multimedia-Künstlerin – von Videoarbeiten bis zu Illustrationen – und widmet sich auch dem Theater, u. a. in Zusammenarbeit mit der Gruppe Grande Giro. Sie ist Autorin und Co-Autorin von Werken wie Tumble Toad, La Risata Cangiante und Quella grata udienza che solete.

Benjamin Heller ist interdisziplinärer Künstler, Performer und Kunstvermittler. Er studierte Freie Kunst in Marseille und Luzern und schloss den Master Art Education in Bern ab. Neben freischaffender Arbeit realisiert er Projekte für das Stapferhaus in Lenzburg. Sein Schaffen umfasst Performances, Installationen, partizipative Formate und Jugendtheater, inspiriert von Objekten, Klängen, Menschen und deren Geschichten.

Seobhan Hope ist Illustratorin, Kunstvermittlerin und Gestalterin. Sie studierte Illustration am Edinburgh College of Art und schliesst 2026 den Master Art Education in Bern ab. Seit 2019 arbeitet sie für Verlage und Auftraggeber im In- und Ausland und wird seit 2023 von der Bright Agency vertreten. Ihre Arbeit bewegt sich zunehmend an der Schnittstelle von Kunstvermittlung und Bildung; ein von ihr mitentwickeltes Projekt wurde 2025 mit dem Goldpreis des Funkenflug-Wettbewerbs ausgezeichnet.

An inner journey, like a thought spoken out loud: De ambulantes soy is a piece of radio art that explores the sounds that inhabit us, the ambulantes (hawkers). We become entangled with a city that, at times, seems indifferent, yet, at others, envelops us in its nostalgic echoes.

Vanessa Valencia Ramos is an audiovisual communicator and producer of narrative audio content, with experience in independent media in the journalistic, artistic, community, and digital fields.

Gerardo Flores Hidalgo is a sound engineering technician with experience in live shows and concerts. He creates music scoring and sound design for independent projects and is passionate about sound for documentaries.

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Eine Erkundung der Innerlichkeit, wie ein laut ausgesprochener Gedanke: De ambulantes soy erforscht die Klänge, die uns innewohnen – uns, den Stadtstreunenden. Wir werden von der Stadt vereinnahmt, manchmal ignoriert, manchmal von ihrem nostalgischen Sehnen umfangen.

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Un voyage intérieur, tel une pensée exprimée à haute voix : De ambulantes soy explore les sons qui nous habitent, nous, vagabonds urbains. Absorbés par la ville, nous sommes tantôt ignorés, tantôt enveloppés par sa nostalgie.

Sables brings together distance and proximity, memory and fantasy, the present and the past, life and death. The piece aims to draw the listener into an immersive experience, sharing an exploration of tragic love presented through multiple narratives and interaction with the environment. The first version of Sables was performed in situ at the University of Avignon during the Festival d’Avignon, making use of indoor and outdoor spaces with different sound sources.

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Sables mêle distance et proximité, souvenir et imagination, présent et passé, vie et mort. Cette pièce plonge les spectateurs dans l’exploration d’un amour tragique. La première version de Sables a été jouée à l’université d’Avignon, pendant le Festival du même nom.

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Sables vereint Distanz und Nähe, Erinnerung und Fantasie, Gegenwart und Vergangenheit, Leben und Tod. Das Stück lässt die Zuhörenden eintauchen und an der Erkundung einer tragischen Liebe teilhaben. Eine erste Version von Sables wurde während des Festival d’Avignon an der Universität von Avignon aufgeführt.

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Camille Protar is an actress, stage director, and sound designer for theater. She trained in some Parisian schools and conservatories, in parallel with her university studies and musical practices. She directs the company Ulysse Kaldor, with which she has staged texts by Fernando Arrabal and Howard Barker. She is pursuing her research-creation thesis at the University of Avignon. She questions the place and modes of sound production in the overall process of stage writing when it involves the boundaries between interiority and exteriority, real spaces and mental spaces.

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Sam Cornu is a Franco-British PhD student and playwright. His interdisciplinary thesis in research-creation at the University of Avignon, supported by EUR InterMEDIUS and co- supervised by Nathalie Macé, David Galli, and Romanian playwright Matéi Vișniec, examines the limits of language in Beckett and Pinget to inform artistic co-creation in Avignon. Co-creator of ‘‘Sables’’, he has published award-winning short stories and poems. His recent play ‘‘La Vilenie’’ was published in 2025 by L’Harmattan.

When Jonah N. Buchanan left home, one of the few personal items he took with him was his family’s rice cooker: an old, once-white Sanyo machine that was older than him. As the appliance began to show signs of age, Jonah reflected on how much of his life it had witnessed. He asked his family to leave him voicemails sharing their Sanyo memories.

Born and raised in San Diego, California, Jonah N. Buchanan is an audio producer and oral history practitioner based in Queens, New York. His work explores self-archiving, shared experience, and memory work in audio and mixed media forms.

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Als Jonah N. Buchanan von zuhause auszog, war unter den wenigen Dingen, die er mitnahm, der Reiskocher seiner Familie: ein altes, einstmals weisses Gerät der Marke Sanyo. Älter als er selbst. Als das Gerät anfing, auseinanderzufallen, wurde Jonah bewusst, wie lange es ihn begleitet, wie viel von seinem Leben es mitbekommen hatte. Er bat seine Familie, ihm Voicemails mit ihren Erinnerungen an Sanyo zu schicken.

–Lorsque Jonah N. Buchanan quitte le domicile familial, il emporte avec lui quelques affaires, dont un cuiseur à riz : un vieil appareil Sanyo, qui fut blanc il y a très longtemps. Quand l’appareil, plus âgé que lui, a commencé à tomber en panne, Jonah a pris conscience de toutes ces années vécues en la compagnie de ce cuiseur, témoin important de sa vie. Il a demandé à sa famille de lui envoyer des messages vocaux de leurs souvenirs liés à Sanyo.

My Fucking Diary lives in the feral limbo found after a break up. Diary extracts collide in an audio collage to abrasively and humorously reflect on a year riddled with sex and selfdiscovery. The diaristic writing, cuts and repetitions bleed the encounters into one another, and spiral in the simultaneity found in desire and destruction. My Fucking Diary sits somewhere between a naff brash reel-esque piece and a poignant kaleidoscope documenting the sentient sexual self.

Sarah Frosh is a London based audio producer with a background in anthropology. She worked with the BBC, universities, governments and international NGOs. Drawn to the strange, unifying heart of what makes us human, she creates audio stories that invite people to learn from one another and connect more deeply. 

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My Fucking Diary lässt die Leere und den wilden Hunger nach einer Trennung aufeinanderprallen. Die Audiocollage erzählt, schonungslos und humorvoll, ein Jahr voller Sex und Selbstfindung. Die tagebuchartigen Texte, Schnitte und Wiederholungen lassen die Begegnungen verschwimmen. Ohne klare Chronologie entfaltet sich die kaleidoskopische Gleichzeitigkeit von Begierde und Zerstörung. 

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My Fucking Diary met en scène les sensations de vide et de faim sauvage qui s’affrontent après une rupture. Ce collage audio raconte, sans concession et avec humour, une année de sexe et de quête de soi. Les rencontres sont brouillées par des textes qui ressemblent à des extraits de journal intime, des coupures, des répétitions. Sans chronologie claire, la simultanéité du désir et de la destruction dévoile sa dimension kaléidoscopique.

Das diesjährige SONOHR-Festival beginnt am Freitag mit der kollektiven Produktion des Audiowalks Aufstiege und Abgänge, geleitet von den Soundmarker-Mitgliedern Ruben Kurschat und Florian Hohnhorst. Am Samstag und Sonntag wird das Ergebnis dieser Arbeit präsentiert – eine Überraschung für die Macher*innen und das Publikum, eine Premiere für alle.

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Le festival SONOHR de cette année commence le vendredi par la production collective de l’Audiowalk Aufstiege und Abgänge, en compagnie des membres de Soundmarker Ruben Kurschat et Florian Hohnhorst. Le résultat sera présenté le samedi et le dimanche. Une surprise pour les créateur·rice·s et le public, une première pour toutes et tous.

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Il Festival SONOHR di quest’anno inizia venerdì con la produzione collettiva dell’audiowalk Aufstiege und Abgänge (Ascese e discese), guidata dai membri dei Soundmarker Ruben Kurschat e Florian Hohnhorst. Sabato e domenica verrà presentato il risultato di questo lavoro: una sorpresa per i creatori e per il pubblico, una prima assoluta per tutti.

Nelle comunità alpine, in estate, si pratica ancora oggi la transumanza: le bestie vengono portate sull’alpeggio per trascorrervi l’estate. Lo fanno anche i protagonisti del nostro racconto, Hans, Pit e Armin. La vita sull’alpeggio è dura, ma magari con un goccetto di schnaps si dimentica anche la solitudine…
Sennentuntschi è una leggenda attestata per la prima volta nel 1500. Ne esistono oltre cento versioni: se ne sono fatti racconti, opere teatrali e film, e negli anni non ha mancato di fare scandalo. Questo racconto è liberamente ispirato alla leggenda.

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In den Berggemeinden geht man auch heute noch im Sommer auf die Alp: Die Tiere werden dorthin gebracht, um den Sommer in der Höhe zu verbringen. So machen es auch die Protagonisten des Hörspiels Hans, Pit und Armin. Das Leben auf der Alp kann hart sein – doch vielleicht hilft ein Schluck Schnaps, um die Einsamkeit zu vergessen?
Sennentuntschi ist eine Legende, die erstmals um 1500 erwähnt wurde. Über hundert Versionen sind überliefert, sie wurde in Erzählungen, Theaterstücken und Filmen verarbeitet und hat im Laufe der Jahre immer wieder für Skandale gesorgt. Dieses Hörspiel ist von der Legende inspiriert und setzt sich auf vielfältige Art mit ihr und ihrer Rezeption auseinander.

Cette performance radiophonique en direct pour six interprètes est une expérience immersive diffusée au casque. À travers les regards croisés des membres d’une famille sur un événement tragique et fondateur – la séparation – le spectacle déploie un jeu de variations sonores et musicales autour des thèmes de la déchirure et du sanglot.
Œuvre « méta », cette performance révèle également les outils du langage radio-scénique que Le Collectif Wow ! élabore depuis plus de dix ans. Les scènes de fiction sont ponctuées de petits pas de côté permettant de prendre un peu de distance pour présenter les éléments de l’écriture et leurs fonctions narratives et dramaturgiques.
L’objectif est d’apporter un éclairage inédit, à la fois technique et pratique, sur ce qui se joue en direct, sans rompre avec l’histoire ni couper l’émotion – et parfois, au contraire, en aidant le public à la vivre et à l’éprouver plus intensément.

Fondé en 2011, Le Collectif Wow ! regroupe six personnalités de formations, nationalités et horizons différents, autour de la recherche d’une grammaire commune pour écouter et faire entendre le monde. Décloisonnant par nature et interdisciplinaire par goût, l’exploration du langage radiophonique et sonore est le terrain de prédilection de son geste créatif et la radio-scénie fait sa spécificité. Par-delà la recherche formelle sur le mélange des genres, son écriture est innervée par une démarche de l’engagement à l’écoute du monde et de ses pulsations, pour se faire écho et porte-voix des marginaux, des oubliés, des plus fragiles, et des luttes et combats qui l’animent.

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Die Live-Hörspiel-Performance Où prends-tu tes larmes ? ist eine immersive Erfahrung, die über Kopfhörer übertragen wird. Durch die wechselnden Perspektiven der Familienmitglieder auf ein tragisches und prägendes Ereignis – die Trennung – entfaltet das Stück ein Spiel aus Klang- und Musikvariationen rund um das Thema Zerrissenheit.
Als «Meta-Werk» rückt die Performance auch die Werkzeuge der radio-szenischen Sprache in den Fokus, die das Collectif Wow! seit über zehn Jahren entwickelt. Die fiktionalen Szenen werden von kleinen Unterbrechungen begleitet, die es erlauben, die Elemente des Stücks sowie ihre narrativen und dramaturgischen Funktionen in den Fokus zu rücken.

Im Creators’ Podium werden die Macher*innen der Wettbewerbsstücke vorgestellt. In einem halbstündigen Gespräch tauschen sie sich über ihre Herangehens- und Arbeitsweisen aus und geben so Einblick in das aktuelle Schaffen der freien Audioszene.

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Au lieu de proposer de courtes interviews pendant les sessions consacrées au concours, nous invitons les auteur·rice·s des pièces sélectionnées à discuter ensemble de leurs créations. Un échange qui invite à plonger au cœur de la création actuelle de la scène audio indépendante.

Un couple au bord de la rupture enregistre sur cassette leur dernière dispute. Elle lui reproche de ne l’avoir jamais remerciée pour ce qu’elle a fait pendant leurs 26 années de mariage. Il lui annonce qu’il n’a jamais été heureux avec elle. Malgré leur ton calme et leur anglais distingué, l’homme et la femme ne semblent pas parler le même langage. La discussion prend la forme d’un procès. Les silences sont lourds, intenables.

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Ein Paar kurz vor der Trennung zeichnet seine letzte Auseinandersetzung auf Kassette auf. Sie wirft ihm vor, sich nie für das bedankt zu haben, was sie während ihrer 26 Ehejahre für ihn getan hat. Er gesteht, dass er nie glücklich mit ihr gewesen sei.
Trotz ruhigem Ton und gewähltem Englisch scheinen die beiden nicht dieselbe Sprache zu sprechen. Das Gespräch entwickelt sich zu einem regelrechten Prozess. Die Pausen ziehen sich, sind kaum auszuhalten, und machen die Spannungen spür- und hörbar.

Eines Tages ist im Quartier ein mysteriöser Ton zu hören. Die Spekulationen entwickeln sich in alle Richtungen, bis der Ton unvermittelt wieder verschwindet. Soweit ist das tatsächlich passiert. Das Hörstück deswegen als dokumentarisch zu bezeichnen, wäre jedoch eine gewagte Behauptung. Auf dünner Faktenlage spinnt Der Ton ein gedankliches Netz über Wahrnehmung und Wirklichkeit und übersetzt sich dabei gleich selbst. Unterdessen fragen sich John Cage und Morton Feldman im Radioarchiv, wann Zufall Kunst ist und ob das auch für Störgeräusche gilt.

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Un jour, un son mystérieux s’élève dans le quartier. Les spéculations vont bon train, jusqu’à ce que le son se taise soudain. Cette situation s’est effectivement produite un jour, quelque part. Mais de là à décrire cette pièce comme un documentaire, n’exagérons pas. S’appuyant sur un mince filet factuel, Der Ton tisse une réflexion autour de la perception et de la réalité, se traduisant lui-même par la même occasion. La pièce est entrecoupée d’extraits d’archives radiophoniques, dans lesquels John Cage et Morton Feldman s’interrogent sur le moment où le hasard devient art, et si ce principe s’applique aussi aux bruits parasites. 

À la manière d’un reportage, cette pièce sonore est une enquête menée par Marc Berman pour comprendre ce que son grand-père, mort en 1998, essaie de lui dire depuis plus de vingt-six ans. Mais le reportage tourne mal et se transforme en bain de sang : Marc Berman est tué à coups de pelle par la fossoyeuse du joli cimetière de campagne où reposent les ossements de son grand-père. Après une chute vertigineuse dans la terre, il atteint une zone située à 1 492 mètres de profondeur : c’est le début de son death trip.

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Im Stil einer Reportage versucht Marc Berman herauszufinden, was ihm sein Grossvater, der 1998 gestorben ist, mitteilen will. Doch die Reportage gerät ausser Kontrolle und wird zum Blutbad: Marc Berman wird von der Totengräberin des idyllischen Landfriedhofs, auf dem die Gebeine seines Grossvaters ruhen, mit einer Schaufel erschlagen.
Nach einem schwindelerregenden Sturz in die Erde findet er sich in 1492 Meter Tiefe wieder – der Beginn seines Death Trips.

Radio Limbo celebrates radio as a portal to other realities and unusual characters. A darkly playful radio cabaret, the show parodies and reimagines established media through a mix of original material and recycled audio plunder. Hosted and produced by Pete Hazell, listeners are taken on a journey through collage, audio curiosities, music, disembodied voices, and imaginary soundscapes. Psychedelic, entertaining, and at times unnerving, the show embraces radio as a shape-shifting vessel for exploring theatrical, subversive, and surreal worlds.

Pete Hazell is a music and radio artist from Bristol, UK, who has spent the past 20 years engaged with underground music and community radio. In 2017, after many years DJing and producing, he co-founded the cassette label Limbo Tapes and a year later began Radio Limbo as a monthly residency on Bristol’s Noods Radio. The show remains a workshop for his practice and a showcase of new music releases. Pete is now bringing Radio Limbo to live audiences and is working on a second series of his experimental fiction podcast Limbo Calling.

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Radio Limbo feiert Radio als Portal zu anderen Realitäten und ungewöhnlichen Figuren. Eine düster-verspielte Radio-Varietéshow, die etablierte Medien parodiert und neu interpretiert – mit einer Mischung aus Originalmaterial und Audio-Trouvaillen. Pete Hazell nimmt die Zuhörenden mit auf eine Reise durch Collagen, akustische Kuriositäten, Musik, entkörperte Stimmen und imaginäre Klanglandschaften. Psychedelisch, unterhaltsam und irrlichternd nutzt das Stück Radio als wandelbares Medium, um theatralische, subversive und surreale Welten zu erkunden. 

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Radio Limbo célèbre la radio, portail vers d’autres réalités, vers des personnages insolites. Une émission de variété radiophonique à la fois grinçante et enjouée, parodie des médias établis, qui les revisite en mêlant matériau d’origine et trouvailles audio. Pete Hazell emmène ses auditeur·rice·s dans une chevauchée endiablée, entre collages, curiosités acoustiques, musique, voix désincarnées et paysages sonores imaginaires. Psychédélique, divertissante, dansant tel un feu follet, la pièce utilise la radio comme un médium changeant, pour mieux explorer les univers subversifs et surréalistes.